La ninnananna sembra rappresentare il genere musicale più cantato al mondo. Di ninnenanne se ne trovano infatti moltissime nella cultura popolare di tutti i popoli. Da un punto di vista etimologico, il termine ninnananna è definito, nell’enciclopedia Treccani, come una “Nenia, cantilena dal ritmo monotono e cadenzato, con la quale si cullano i bambini cercando di addormentarli (e nella quale le parole ninna nanna ricorrono frequenti come intercalare): cantare la ninnananna. In musica, breve componimento musicale, in movimento moderato, ritmo pari, misura generalmente di 6/8, ispirato alle nenie che si cantano ai bambini: una n. di Mozart, di Chopin”.
Sia «ninna» che «nanna» sono termini che nel linguaggio infantile significano «sonno», ma se andiamo al significato principale del termine, già i latini parlando di nenia volevano indicare la cantilena, il linguaggio magico e il canto funebre. Il canto di culla era chiamato Lallum o Lallus e ancor oggi quando diciamo lallare indichiamo il suono che emettiamo quando dondoliamo il bambino che teniamo in braccio o è dolcemente posto nella culla ondulante per facilitargli il sonno. Gli antichi romani cantavano «lalla lalla». Lo stesso termine per gli inglesi è lullaby, e l’assonanza con gli antichi non è casuale, mentre in francese è detto berceuse, nana per spagnoli e portoghesi, Wiegenlied per i tedeschi. La parola «dormire» per l’arabo, nella variante tunisina, è detto nänni mentre per gli egiziani lo stesso significato è riposto nel termine ninne.
Le similitudini o le radici etimologiche simili della parola ninna nanna fanno supporre che fin dall’antichità cantare con un bambino tra le braccia era, in ogni luogo, uno dei gesti più naturali dell’uomo. “Nanna” nel linguaggio dei bambini o parlando ai bambini, significa il dormire, il sonno. “Nanna” preceduto da “ninna” identifica, come tutti sanno, quel particolare testo (filastrocca, nenia, cantilena) da sempre usato dalle mamme per favorire la calma, la rassicurazione e la fiducia del bambino nel momento del passaggio dalla veglia al sonno. E’ interessante notare come la parola italiana Ninnananna fosse compresa già nel dizionario dell’Accademia della Crusca del 1612 che la attribuiva alle balie. La più famosa tra le ninna nanne d’arte è sicuramente Wiegenlied di Johannes Brahms, scritta dal compositore tedesco per una certa Berta Faber in occasione della nascita del suo secondo figlio.
La funzione universale del canto di culla
Compiendo una ricerca, ho notato che proprio perché le ninnenanne appartengono a tutte le culture del mondo e che sono presenti nell’esperienza di tutti i bambini, esse sono state utilizzate spesso per progetti scolastici interculturali, ma principalmente per quelli rivolti alla scuola dell’infanzia. Io ho pensato invece di utilizzarle con i più grandi della scuola primaria in modo da lavorare sulla scoperta e sulla storia della propria identità per poi confrontarla con quella di altri compagni, meno fortunati di noi, che vivono in paesi lontani.
In alcune comunità Mixe dello stato messicano di Oaxaca si crede che i nuovi nati, nel venire al mondo, abbiano molta fortuna dal punto di vista linguistico: comprendono una lingua universale (più tardi ampliata con il vocabolario degli adulti), per poi essere in grado di ottenere un diamante raro: la lingua Ayuujk. Nei nostri sogni, possiamo talvolta rievocare quella lingua universale con la quale siamo nati, la stessa che usiamo quando arriviamo a perdere la nostra capacità di intendere e di volere, o quando la morte si avvicina. Non è una sorpresa che le parole fungano da incantesimo per calmare il pianto del bambino, per farlo addormentare, o per trasmettergli conforto o speranza. Trasmesse soprattutto attraverso la tradizione orale, le ninne nanne rispecchiano gli approcci musicali e testuali verso quella che noi chiamiamo infanzia. Una ninna nanna è principalmente un testo orale, costruito in modo che gli esseri umani si relazionino tra loro esprimendosi secondo l'eredità linguistica della cultura in cui si è nati. Le ninne nanne sono i mattoni della lingua, offerta al bambino per vivere nel mondo. Una ninna nanna può aprire la strada per esporre i bambini alla diversità delle lingue nel mondo.
Esempi culturali: il folclore indiano e la Luna
Il brano Caṃdāmāmā dūra ke parla di uno zio lontano che vive sulla luna e che prepara per il bimbo un puā, un pane dolce a base di farina di semola, che lo zio gli serve in una piccola ciotola. Il bimbo fa cadere la ciotola e inizia a piangere, ma lo zio luna gli serve altre ciotole con del latte. Il legame tra la Luna e la figura dello zio materno è tipico del folclore indiano. L'origine di quest'associazione è chiarita, ad esempio, dal poeta odia Achyutananda Dasa. Durante l'Amṛtamanthana, la quarta battaglia dei Devāsura nella quale Indra vinse Prahlāda, la dea Lakṣmī detta la Jagat-Mātā («Madre del mondo») emerse dalle acque oceaniche.
Ami tomake ninna nanna
La musica dei Nativi Americani: tra mito e realtà
Stati genitori di bambini da educare, crescere, amare e da… addormentare. Anche i Nativi cantavano, dunque, la ninna-nanna? Cantavano, se la cantavano? Risposta: anche i Nativi la davano e la danno. Con il canto… meravigliosa chiamata musica. "Pellerossa", indifferentemente. Musicale apposito. Green Corn Moon. Seria che si può trovare in una ninna-nanna. Umana emozione di un genitore. Robert Mirabal. Bambini che sono passati attraverso molte generazioni. Loro storia Nativa e alle tradizioni della propria tribù. Sioux, Mashantucket Pequot, Cheyenne e Salish (Coast). Alla maniera di ogni tribù. Cultura Nativa Americana. Per quello adulto. Ordine o per farsi indicare il corrente distributore in Italia.
La musica dei nativi americani è la musica che viene utilizzata, creata o eseguita dai popoli indigeni del Nord America, inclusi i nativi americani degli Stati Uniti d'America, i popoli indigeni del Canada, i popoli indigeni del Messico e altri paesi nordamericani, in particolare la musica tribale tradizionale, come la musica Pueblo e la musica Inuit. Oltre alla musica tradizionale dei gruppi nativi americani, esistono ora generi pan-indiani e intertribali, nonché distinti sottogeneri nativi americani di musica popolare tra cui: rock, blues, hip hop, classica, musica da film e reggae, nonché stili popolari unici come il chicken scratch e la musica del Nuovo Messico.
Il canto e le percussioni sono gli elementi più importanti della musica tradizionale dei nativi americani. La vocalizzazione assume molte forme, che vanno dal canto solistico e corale al canto responsoriale, all'unisono e in più parti. Le percussioni, in particolare tamburi e sonagli, sono un accompagnamento comune per mantenere il ritmo costante per i cantanti, che generalmente usano la loro lingua madre o vocaboli non lessicali (sillabe senza senso). Sebbene ogni gruppo di nativi americani possa essere caratterizzato da generi e stili distinti, alcuni aspetti dello stile sono somiglianti tra gruppi di nativi che appartenevano a tribù vicine. Queste somiglianze vengono ulteriormente ampliate quando la musica e gli strumenti sono condivisi tra ciascuna tribù, rendendo facile trovare determinate caratteristiche nell'uso frequente. La voce può variare da un suono teso, nasale o rilassato e consiste in timbri più alti, specifici nei cantanti maschi in cui il falsetto è molto diffuso. Il vibrato vocale, quando si verifica, è un rapido pulsare di diverse altezze come effetto maggiormente ornamentale.
Analisi strutturale e contestuale della musica indigena
Gli schemi ritmici spesso si trovano in metri di due o tre e tengono conto dei ritmi vocali e della sincope per incorporarli. I tamburi sono costituiti da tipi che vanno da tamburi a testa singola e a doppia testa. Altri strumenti a percussione sono costituiti da sonagli e "shaker" realizzati con carapace di tartaruga. Oltre agli strumenti a percussione e alla voce, un elemento comune sono gli strumenti come flauti, fischietti e altri strumenti che producono il suono mediante il respiro del musicista (corni, tubi, ecc.). Gli strumenti a corda, che possono essere percosse, pizzicate o piegate, includono quelli come l'arco musicale che ha avuto origine nelle Americhe, ma non appare spesso nella musica indigena contemporanea.
Uno studio realizzato nel 2016 ha analizzato le caratteristiche della musica indigena in relazione ai contesti sociali e al soggetto lirico. Dopo aver analizzato oltre 2.000 brani della raccolta di musica nativa di Frances Densmore, lo studio è stato in grado di trovare anche la relazione tra argomenti come l'amore nelle canzoni, la varietà del tono e la tessitura. Le canzoni d'amore possono essere caratterizzate da tessiture alte e melodie spaziose, con intervalli più ampi. Inoltre, in molti casi, vengono percepite come "tristi", con liriche che trattano della partenza, della perdita o di un desiderio. Questo spiega la relazione tra il soggetto lirico e il movimento melodico relativamente lento e la dinamica bassa.
Le canzoni di gioco, come quelle associate a "giochi di mocassini, mani e nascondino," hanno una durata media significativamente ridotta e una gamma e una varietà di tono limitate. È stato scoperto anche che le "canzoni curative" e la loro caratteristica di una gamma ristretta e una ripetizione comparativamente aumentata delle note basse, avevano probabilmente lo scopo di creare un suono rilassante che alleviasse il disagio. Per quanto riguarda la musica di persone specifiche, si è scoperto che le canzoni della natura Yuman hanno spesso una piccola estensione, un movimento melodico discendente e frequenti motivi musicali ripetuti. La collezione Densmore caratterizza anche le canzoni di guerra come aventi una gamma più ampia, un registro più alto e una maggiore diversità in termini di durata e tono. In confronto, anche le canzoni da ballo hanno queste distinzioni, sebbene possano esserlo in senso opposto, poiché hanno spesso registri più bassi.
Il ruolo della musica nella trasmissione del sapere
Questo studio ha scoperto una visione significativa del fatto che molte delle queste caratteristiche (altezza del tono, tempo, dinamica e variabilità) hanno una relazione diretta con la risposta emotiva, facendola emergere indipendentemente dalla cultura, il che significa che caratteristiche simili di una cultura, la musica e la sua funzione, si troveranno spesso in altre culture nella stessa funzione. I testi delle canzoni dei nativi americani includono sia brani pubblici che canzoni segrete, dette "antiche e immutabili", che vengono utilizzate solo per scopi sacri e cerimoniali. Ci sono anche canti sacri pubblici, così come discorsi rituali che a volte sono percepiti come musicali a causa dell'uso del ritmo e della melodia.
I vocaboli, o sillabe lessicalmente prive di significato, sono una parte comune in molti tipi di canzoni dei nativi americani. Segnano spesso l'inizio e la fine di frasi, sezioni o delle canzoni stesse, che spesso fanno un uso frequente di vocaboli e altri elementi intraducibili. Le canzoni traducibili includono canzoni storiche, come la "Shi' naasha" dei Navajo, che celebra la fine dell'internamento del loro popolo a Fort Sumner, nel Nuovo Messico nel 1868. Anche i canti delle bandiere tribali e gli inni nazionali sono una parte importante del corpus musicale dei nativi americani e un frequente inizio delle cerimonie pubbliche, in particolare i powwow.
La musica dei nativi americani svolge un ruolo vitale nella storia e nell'educazione, con cerimonie e storie che trasmettono oralmente le usanze ancestrali alle nuove generazioni. Si dice che la musica cerimoniale dei nativi americani provenga da divinità o spiriti, o da individui particolarmente rispettati. I rituali sono modellati da ogni aspetto di una canzone, danza e costume, e ogni aspetto dà delle informazioni sui "creatori, indossatori e simboli importanti per la nazione, la tribù, il villaggio, il clan, la famiglia o l'individuo". I nativi americani narrano storie attraverso il canto, la musica e la danza, e i fatti storici così diffusi sono parte integrante delle loro credenze. Leggende epiche e storie sugli eroi culturali fanno parte delle tradizioni musicali tribali e questi racconti sono spesso una parte iconica della cultura locale. Possono variare leggermente, di anno in anno, con la ricombinazione degli inizi e l'introduzione di lievi variazioni. Alcuni nativi americani vedono le canzoni come "proprietà" della tribù o dell'individuo che per primo le ha percepite. Ad esempio, se un individuo ricevesse la canzone in sogno o in una visione, la musica apparterrebbe a lui ed avrebbe il potere di dare la canzone a un altro.
Dinamiche di genere e potere nella musica tribale
Gli stili e gli scopi della musica variano notevolmente tra ogni tribù. Tuttavia, un concetto comune tra molti gruppi indigeni è una fusione di musica e potere. Ad esempio, i Pima sentono che molte delle loro canzoni sono state date all'inizio e cantate dal Creatore. All'interno di varie comunità, il genere gioca un ruolo importante nella musica. Uomini e donne svolgono ruoli specifici in molte attività musicali. Gli strumenti, le canzoni e le danze sono spesso peculiari dell'uno o dell'altro sesso e molte impostazioni musicali sono strettamente controllate dal sesso. Nei powwow moderni, le donne svolgono un ruolo fondamentale come coriste e ballerine. I Cherokee, ad esempio, tengono balli prima delle partite di stickball. In questi eventi pre-partita, uomini e donne eseguono danze separate e seguono regolamenti diversi. Gli uomini danzano in cerchio attorno a un fuoco, mentre le donne danzano sul posto. Gli uomini cantano le proprie canzoni, mentre le donne fanno cantare le loro da un "anziano". Mentre le canzoni maschili invocano potere, quelle femminili sottraggono potere alla squadra di stickball avversaria.
In alcune società c'è l'usanza secondo la quale alcuni tamburi cerimoniali devono essere suonati solo da uomini. Tra gli indiani delle pianure meridionali, si crede che il primo tamburo sia stato dato a una donna dal Grande Spirito, che le ha ordinato di condividerlo con tutte le donne delle nazioni native. Molte culture musicali tribali hanno una relativa scarsità di canti e danze tradizionali femminili, specialmente nelle regioni del nord-est e del sud-est. Il sud-est, tuttavia, ospita una tradizione musicale femminile di primo piano nell'utilizzo dei sonagli da gamba per cerimoniali Stomp e danze di amicizia, e durante il gioco della palla a cavallo. Le tribù della costa occidentale del Nord America tendono a dare maggiore risalto alla musica femminile, con speciali canzoni d'amore per le donne, canzoni di guarigione e canzoni di giochi manuali; il sud-ovest è particolarmente vario nell'offerta musicale femminile, con importanti ruoli cerimoniali, strumentali e sociali nelle danze. Le donne svolgono anche un ruolo cerimoniale vitale nella Danza del sole delle Grandi Pianure e del Grande Bacino e cantano durante le danze sociali.
Evoluzione stilistica e influenze storiche
La musica e la storia orale sono strettamente intrecciate nella vita dei nativi americani. La storia di una tribù è costantemente raccontata e ripetuta, attraverso la musica, per mantenere viva una narrazione orale della storia. Queste narrazioni storiche variano ampiamente da tribù a tribù e sono parte integrante dell'identità tribale. Bruno Nettl si riferisce allo stile dell'area del Grande Bacino come al più antico e comune in tutto il continente, prima della Mesoamerica, ma continuato solo nel Grande Bacino e nei generi di ninna nanna, giochi d'azzardo e racconti in tutto il continente. Uno stile, caratterizzato da una tecnica vocale rilassata e dall'ascesa, che potrebbe aver avuto origine nel Messico mesoamericano e poi diffuso verso nord, in particolare nelle aree musicali della California-Yuman e dell'Est. Nel progredire di questo processo, tre stili asiatici potrebbero aver influenzato la musica nordamericana, attraverso lo stretto di Bering, tutti caratterizzati da una tecnica vocale pulsante e più evidente nelle recenti tribù paleo-siberiane come Chuckchee, Yukaghir, Koryak. Inoltre, questi potrebbero aver influenzato le aree Pianure-Pueblo, Athabasca e Inuit-Northwest Coast. Secondo Nettl, il confine tra queste influenze del sud e le suddette influenze del nord sono le aree di maggiore complessità musicale: la costa nord-occidentale, la musica dei Pueblo e quella Navajo.
Durante la sua permanenza negli Stati Uniti, il compositore Antonín Dvořák sostenne che il futuro della voce americana nella musica risiedeva in quella afroamericana e dei nativi americani e ne sostenne la crescita negli Stati Uniti. Egli aveva l'obiettivo di scoprire la "musica americana" e invitava i compositori americani a guardare a queste culture musicali per studio e ispirazione. "La musica della gente è come un fiore raro e adorabile che cresce tra le erbacce invadenti. Durante questo periodo compose anche la sua Sinfonia n. 9. Prima dell'esecuzione della sinfonia, chiarì il fatto che "l'opera è stata scritta sotto l'influenza diretta di un serio studio della musica nazionale degli indiani nordamericani".
L'evidenza archeologica della musica dei nativi americani risale al periodo arcaico (ca. 8000-1000 a.C.). Tuttavia, la prima documentazione scritta proviene dall'arrivo degli esploratori europei nel continente americano e le prime ricerche accademiche risalgono alla fine del XIX secolo. All'inizio del XX secolo, iniziarono ricerche più sistematiche. Erano guidate da musicologi comparati come Frances Densmore, Natalie Curtis, George Herzog e Helen Heffron Roberts. La Densmore fu la più prolifica dell'epoca, pubblicando più di cento opere sulla musica dei nativi americani. Da bambina aveva acquisito un apprezzamento per la musica indigena ascoltando i popoli del Dakota e nel corso della sua vita fu in grado di registrare oltre un migliaio di canzoni eseguite da nativi americani, in più di cinquanta anni, a partire dal 1907. Una distinzione che rende il suo lavoro così prezioso è che molte delle sue registrazioni sono state condotte con individui più anziani, poco influenzati dalla tradizione musicale occidentale, e coinvolgono una gamma impressionante di origini geografiche.
Complessità regionale: Pueblo e Athabaskan
I nativi americani degli Stati Uniti sud-occidentali erano limitati agli idiofoni e agli aerofoni come mezzi per la produzione del suono a partire dal VII secolo. Gli idiofoni comprendevano: risonatori a tavole, tamburi a pedale, pietre per percussioni, idiofoni scossi, sonagli di vasi e campane di rame e argilla. Gli aerofoni includevano bullroarers, fischietti e flauti scomponibili, fischietti risonatori in argilla, trombe a conchiglia e strumenti ad ancia preistorici. L'arido sud-ovest americano ospita due ampi gruppi di culture strettamente correlate, la Pueblo e l'Athabaskan. Le tribù Southern Athabaskan Navajo e Apache cantano con voci nasali in stile Pianure con una monofonia non miscelata, mentre i Pueblo enfatizzano uno stile monofonico rilassato, di gamma bassa e altamente miscelato.
Le canzoni dei Pueblo sono complesse e meticolosamente dettagliate, di solito con cinque sezioni divise in quattro o più frasi caratterizzate da formule introduttive e cadenzali dettagliate. Nettl descrive la musica Pueblo, tra cui Hopi, Zuni, Taos Pueblo, San Ildefonso Pueblo, Santo Domingo Pueblo e molti altri, come una delle più complesse del continente, caratterizzata da una maggiore lunghezza e numero di toni di scala (esatonico ed eptatonico comune), varietà di forma, contorno melodico e accompagnamento percussivo che spazia tra un'ottava e una dodicesima, con complessità ritmica pari alla sottozona delle Pianure. Cita le canzoni di danza Kachina come quelle più complesse e il materiale Hopi e Zuni come il più complesso del Pueblo, mentre la musica Tanoan e Keresan è più semplice e intermedia tra quella delle pianure e dei Pueblo occidentali. Descrive altresì la musica dell'Athabascan meridionale, quella degli Apache e dei Navajo, come la più semplice accanto allo stile Grande Bacino, caratterizzata da forma strofica, voci tese che utilizzano pulsazioni e falsetto, scale tritoniche e tetratoniche in formazione di triade, ritmi semplici e valori di durata limitata (di solito solo due per brano), contorni melodici ad arco, e ampi intervalli melodici con predominanza di terze minori e maggiori e quarte e quinte giuste con salti di ottava non rari. Le caratteristiche strutturali della musica California-Yuman, tra cui queste, definiscono l'ampio panorama sonoro del continente nordamericano.